Oli Sorenson
En diffusant ses œuvres numériques dans des lieux associés aux arts visuels, Oli Sorenson questionne le statut de l’artiste en tant que créateur d’objets ponctuels et originaux. Il souligne les contradictions entre les notions d’authenticité et les moyens actuels de reproduction massive, à l’ère de la surabondance d’images numériques. Il cherche notamment à déstabiliser l’idée que l’art se créé en vase clos, en privilégiant des gestes de citation et d’appropriation créative. Lorsqu’il copie, transforme et combine les images existantes d’artistes reconnus, ses œuvres provoquent des confrontations entre images nouvelles et formes familières afin d’interagir plus étroitement avec la mémoire collective des amateurs d’art qui fréquentent les galeries.
L’art remix d’Oli Sorenson a initialement été reconnu à Londres (Royaume-Uni), où il a participé à plusieurs événements d’art médiatique à l’Institute of Contemporary Art (2003-06), à Tate Britain (2006) ainsi qu’au British Film Institute (2008-10). Il s’est bâti un profil international avec ses performances au ZKM (Karlsruhe, 2002), à ISEA (Helsinki, 2004), puis aux festivals Mapping (Genève, 2009) et Sonica (Ljubljana, 2012). Établi à Montréal depuis 2010, Sorenson a diffusé son travail à Power Plant (Toronto, 2014), FILE (Sao Paulo, 2015), Monitoring (Kassel, 2017), Art Mûr (Berlin, 2018), Elektra (Montréal, 2019) et TOPO (Montréal, 2020, 2016).
Yannick Guéguen
Artist, digital designer, and landscape architect (AAPQ), Yannick Guéguen completed his studies in landscape architecture (École nationale supérieure du paysage de Versailles) and holds a degree in arts and a master's degree in design and complexity from the University of Montreal. His career has been complemented by teaching at the Centre de recherche sur l’espace sonore in Grenoble. His works have been exhibited in renowned contemporary art venues.
Alejandro Brianza
Composer, researcher, and teacher, Alejandro Brianza holds a master's degree in scientific research methodology and a bachelor's degree in Audiovisual Studies. He teaches at the Universidad del Salvador and the National University of Lanús (Argentina). He is a member of the Andamio collaborative platform, coordinator of the Soundscape Research Group, and coordinator of the Latin American Sound Artists Network.
Guylaine Massoutre
Professor, critic, and author Guylaine Massoutre holds a doctorate in Quebec literature from Paris. Her publications include Pavane (Le Noroît, 2018, mentioned by the Académie des lettres du Québec), Matière noire. Les constellations de la bibliothèque (Nota Bene, 2013), Renaissances. Vivre avec Joyce, Aquin, Yourcenar (Fides, 2007), L’Atelier du danseur (Fides, 2004), and Escale Océan (Le Noroît, 2003). She received the Raymond-Klibansky Prize (1996) for her essay on Hubert Aquin and the Spirale-Eva-le-Grand Prize (2004) for her essay on dance. In her essays, she explores the relationship between the arts and life.
Eva Quintas
Eva Quintas' photographic practice is characterized by an openness to other disciplines, mainly literature and multimedia, narrative and interactive processes. She has produced photographic exhibitions, web art projects, video installations, and a photographic and literary fiction designed for exhibition spaces, radio, the web, and CD-ROM, in collaboration with author Michel Lefebvre. Through an exploration of different narrative forms, her work questions the construction of identities, mythologies, and cultural territories.
Natalie Doonan
Natalie Doonan is an artist and professor from Ontario. She has taught audiovisual and contemporary art at Sheridan College, the University of Toronto, the University of British Columbia, and Emily Carr University of Art and Design. She is now an assistant professor of digital creation in the Department of Communication at the University of Montreal.
Natalie's work has been featured in exhibitions and festivals across Canada and abroad, including the Cultural Olympiad of the 2010 Winter Olympics in Vancouver, the LIVE Performance Art Biennale, the PuSh International Performing Arts Festival, the Elektra Festival and BIAN in Montreal, Nuit Blanche and Art Souterrain, as well as the Tunisian Pavilion at the Venice Biennale in 2017. Her writing has been published in professional and peer-reviewed journals on art and food culture, such as Canadian Theatre Review, Theatre Research in Canada, Public Art Dialogue, Canadian Food Studies, Gastronomica, the Senses & Society, and Performance Research.
Natalie enjoys eating and walking and has led over 30 public tours and tastings in and around Montreal since 2011. Her award-winning artworks and writings explore places through the senses.
Toxique Trottoir
Toxique Trottoir creates artistic projects in public spaces that contribute to the development of a more inclusive society. Founded in 2004, this women's company engages artists, citizens, and public spaces in a process of unusual encounters and dialogues. An encounter that combines theater, clowning, and poetry transforms our relationship with everyday life, the city, and representation. Through an original relationship with the public based on interactivity and the involvement of spect-actors, Toxique Trottoir creates for everyone, promoting social, intercultural, and intergenerational diversity.
Fernande Forest
Née à Bonaventure en Gaspésie, Fernande Forest vit à Rimouski dans le Bas-Saint-Laurent où elle exerce une pratique en arts visuels depuis plus de 30 ans. Sa recherche est axée sur le vivant, principalement sur les végétaux qu’elle côtoie dans son milieu de vie. Depuis ses débuts en photographie, elle utilise le numériseur comme caméra macro, ce qui l’a amenée récemment à la microscopie scientifique. Designer graphique de formation, elle a complété un cours de deuxième cycle en études de la pratique artistique.
Elle a réalisé de nombreuses expositions solos et collectives présentées au Canada, en France et en Pologne. Elle a participé à des symposiums et des événements de création in situ tel la Rencontre photographique du Kamouraska. Boursière du CALQ et du CAC, elle réalise aussi des œuvres dans le cadre de la politique d’intégration des arts à l’architecture.
Sa pratique en photographie crée des filiations entre notre rapport au végétal, au scientifique et à notre humanité en révélant le réel et en le magnifiant. Dans les représentations qu’elle fait, elle cherche à faire émerger, de façon tangible, la force vitale qui nous est commune. Celle qui pousse tous les organismes vivants à s’épanouir en évoluant grâce aux mélanges, aux risques et aux renouvellements que les rencontres provoquent.
Sam Meech
Born in 1981 in Huddersfield, UK, Sam Meech is a digital artist with an analog focus, whose practice encompasses interactive installation, projection, and machine tinkering. He is interested in hybrid processes combining digital and analog in his creation and performance, through playful works that play on texture, pattern, recursion, and translation. He practices pixel art, has machine-knitted stop-motion animations of horses, generated poetry from old video titles, and cast miniature trains in concrete to create apocalyptic projection mapping.
In his recent practice, he explores optical video feedback in interactive digital installations—an approach described in his Master of Fine Arts thesis entitled “Video in the Abyss: In the context of the digital, is video feedback still useful as an approach to making art.” Two resulting works, Chroma Culture and Portals, have been widely shown in the UK and were selected for the 2019 Lumen Prize for Art and Technology. Chroma Culture also won the ALIFE Inspired Art Award at the 2020 ALIFE Festival. Both works have been adapted and deconstructed for this exhibition.He enjoys collaborating with the public to develop projects that allow people to engage with technology and creative processes. He has created works for Mutek, the NFB, the Quartier des Spectacles, and the Maison de la Culture Maisonneuve, as well as for numerous galleries, museums, and public institutions in the United Kingdom. Now based in Montreal, he teaches the Intermedia course at Concordia University.
Rob Feulner
Rob Feulner (b. 1987, Montreal, CA) is a video artist hailing from Montréal, Québec. Armed with a stack of VCRs, circuit-bent equipment, and a disregard for electrical shocks, Rob Feulner dives wrist-deep into open machinery, creating a landscape of video tracking errors and glitches used to confront modern political malaise. His work has appeared in the Indianapolis Museum of Art, has been broadcasted by The Cartoon Network, and performed alongside MacArthur Fellowship prize winner Anne Carson. His most recent piece, the 17-minute experimental short film Cable Box, premiered at the Festival ECRÃ (Brazil) in July 2021.
LopLop
Entreprise montréalaise de création de logiciels d’animation
LopLop est une petite entreprise de développement de logiciels graphique 2D évoluant dans l’écosystème montréalais du jeu vidéo, du cinéma d’animation, de l’automatisation télévisuelle et de l’art numérique public. Depuis 25 ans, ils fabriquent des logiciels hyper-spécialisés écrits en C++, OpenGL, GLSL et Metal.
Leur équipe se compose de 3 personnes : Alain Bergeron, programmeur graphique chevronné ayant 40 ans d’expérience, Aude Brochard, gestionnaire dynamique de 34 ans, et un jeune génie de 19 ans découvrant la programmation 2D et 3D.
Marion Schneider
Artiste numérique non binaire, Marion Schneider (elle/iel) est diplômé.e en arts visuels et médiatiques à l‘UQAM (Montréal) et en Design numérique à l’École nationale supérieure Olivier de Serres (Paris). Obsédé.e par la mer, les mots et les machines, ses recherches artistiques se concentrent sur le potentiel poétique et engagé des outils numériques. Sa pratique interdisciplinaire s’intéresse au sentimentalisme et à son actualisation par le biais des technologies.
Ancré dans l’idéologie hacktiviste, son travail est souvent autonome, perméable et fonctionne en boucle, intégrant le partage et la réutilisation des données. Iel s’intéresse à des thèmes liés à la nature et la virtualité, en passant par le genre, l’intimité, la distance et la mémoire ; son travail explore les façons où chacun de ces sujets se croisent.
Schneider a partagé son travail lors de plusieurs expositions à Montréal et à Québec, notamment à ICRA-X, à la Place des Arts, à Art Mûr, et à la Galerie de l’UQAM. Iel a reçu la mention d’honneur de l’UQAM pour son baccalauréat, la bourse d’excellence de la fondation Mc Abbie et le prix Jean-Pitre et Claude Leclerc.
Léo Sanches
Léo Sanches a toujours fait preuve de curiosité. Enfant, une des choses qui le fascinait le plus était le petit appareil photo de sa mère. Il était des plus simple, mais il représentait pour lui la possibilité de voir le monde d’un autre œil, tel un objet magique. Des journées entières à jouer avec cet appareil ont imprégné son esprit et ouvert le chemin vers sa carrière.
Léo Sanches est arrivé à Montréal en 2012 à la recherche de nouvelles opportunités. Cette nouvelle vie lui a offert une plus grande liberté d’expérimenter avec des projets personnels. Cependant, son statut d’immigrant a suscité de nombreux questionnements. Il s’en est trouvé transformé, au même titre que sa pratique photographique, portant désormais un message plus personnel, explorant l’expérience et les blessures de l’immigration.
Yesica Duarte
Yesica Duarte is an Argentine media artist, virtual reality developer and art researcher based between Buenos Aires and Montreal. Her work focuses on the relationship between the body and virtual reality, on how immersive media affect perception, self-awareness and learning. She explores the place that ubiquitous technologies give to the human being as user, through research into the immersive language of virtual reality and the integration of the interface on the human body.
Sandrine Deumier
Sandrine Deumier est une artiste pluridisciplinaire travaillant dans le domaine de la performance, de la poésie et de l’art vidéo dont le travail explore des thématiques post-futuristes au travers du développement de formes esthétiques liées aux imaginaires numériques.
De sa double formation philosophique et artistique, elle construit une œuvre poétique protéiforme axée sur la question des mutations technologiques et de la place performative de la poésie conçue au travers des nouvelles technologies. Utilisant la matière du mot comme image et l’image comme vecteur du mot, elle développe un travail à la jonction du médium vidéo et de la poésie sonore en les considérant comme des dispositifs sensibles pour exprimer une forme de matière inconsciente du soi. Processus d’écriture et matière mobile de l’image fonctionnent alors dans un reflux de significations sous-jacent qui renvoient au vacillement du réel et à ses transferts de réalité via des structures de pensées inconscientes. Son travail se compose essentiellement de textes poétiques, de vidéo-poèmes, d’installations multimédia et de performances poétiques audiovisuelles en collaboration avec des compositeurs.
