Catégorie : Projet

Le cyborg, bien que né avec la révolution technologique des années 1980, est devenu un concept qui va au-delà de la dystopie et des mondes imaginaires. Le cyborg a dépassé l’idée d’irréel et fait désormais partie de notre vie quotidienne. C’est pour cette raison, et en partant du principe que «nous sommes tous des cyborgs», que nous avons créé cette mise en scène. Nous l’appelons mise en scène parce qu’elle réunit différents éléments qui unifient les arts visuels avec le son et les lettres pour créer un discours dans lequel le spectateur se sent partie prenante sans être un héros ou une héroïne, mais croit plutôt qu’il est à l’intérieur de sa réalité, cette réalité faite de fumée dans laquelle on respire la tristesse. Par conséquent, notre travail converge vers la réalité de l’asphalte latino-américain, dans ces rues non pavées, dans les foires populaires, dans les petits espaces qui transforment un moment d’ennui en magie, dans les déchets sur les trottoirs et dans les bruits que la ville fait quand elle respire.

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Píldoras contra el sueño («Pilules contre le sommeil») est un projet qui établit un dialogue entre une histoire de science-fiction et des intelligences artificielles en libre accès, telles que VQGAN+CLIP et Disco Duffusion, entre autres, chargées de recréer des parties de l’histoire par le biais d’entrées textuelles afin de générer des images originales représentant des scènes de l’histoire. Il s’agit ainsi d’ouvrir un dialogue sur les interactions entre un ouvrage de littérature traditionnelle, l’auteur-lecteur et l’intelligence artificielle. Le projet, dans sa présentation au sein de l’espace Hubs, intègre dans une pièce une narration vocale accompagnée d’un paysage sonore et d’une galerie d’images générées par les différentes interactions avec les intelligences artificielles.

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L’équation humble a commencé comme un projet de partition musicale pour comprendre l’esprit d’un « objuet ». Il s’agissait de se demander comment dans un tel esprit, la notion d’événement se manifeste. Un événement c’est-à-dire, l’émergence de la manifestation est-il le fait d’un point, d’une ligne, d’une lumière, d’un bruit?

Le travail ici présenté exprime la recherche de cette conscience artificielle, l’« objuet », qui n’est ni un jouet, ni une ‘je’ humain, ni un objet, mais peut-être tout cela à la fois. Cette recherche prend le pari que la conscience émerge d’un bruit.

Du bruit du pinceau à la vibration sonore entendue par la ligne, c’est un dialogue entre des mondes musicaux que la calligraphe Étémé et la musicienne Mynah Marie entament autour de la convocation de la forme dans le cerveau abstrait de la Dame Qui pense, patronyme de l’« objuet ». 

La Dame Qui pense rêve, elle rêve d’exister. Elle n’a que pour elle, le bruit probant de sa conscience: quelle est donc l’énigme de sa réalité? Elle compose, entre la joie de penser et l’oubli permanent de ce que c’est qu’être, les notes alphabétiques qui lui permettront peut-être de faire advenir sous forme de paysages, le syntagme tonal d’une concrétude : l’équation humble.

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I.

Le langage poétique est un langage déformé. Alors que le langage courant communique (ou essaie de le faire), le langage poétique fait un peu plus que cela. Ou bien : il fait le contraire. C’est dans cette erreur, cette faille dans l’intention de dire, que se situe [error]. 

Dans cette série de travaux, la distorsion apparaît à différents niveaux. En premier lieu apparaît l’altération visuelle exercée sur l’image. En second lieu apparaît le texte, une poésie visuelle doublement déformée. La distorsion de ce qui a toujours été une distorsion rend explicite la relation d’interdépendance qui existe entre l’altération du perceptible et le langage poétique.

II.

Je comprends la distorsion comme une preuve fondamentale que tout est malléable, que tout peut être modifié. Qu’il n’existe pas de réalité naturelle incontestable, contre laquelle il est impossible d’aller. Le psychédélisme nous a appris qu’il suffit d’introduire un composé chimique dans notre sang pour que nos sens – par lesquels nous appréhendons nos notions les plus élémentaires de ce qui est réel et de ce qui ne l’est pas – se révèlent aussi fragiles qu’ils le sont. J’ai beaucoup réfléchi ces derniers temps aux implications politiques de l’art, et je pense que ce qui est déformé à l’intérieur de l’œuvre l’est aussi dans l’esprit du spectateur. Peut-être que cette altération du langage et de la réalité (mots ou images qui cimentent notre interprétation du monde) nous permet de conclure qu’un autre avenir est possible, que ce que nous regardons et tout ce qui nous entoure ne devrait pas être éternellement comme il l’a été jusqu’à présent.

[error] est composé d’images, de sons, de .GIF et de vidéos dans lesquels coexistent le glitch visuel, la distorsion sonore, la poésie à voix haute et le texte.

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En 2019 j’ai créé l’installation performative Le temps d’être, une adaptation libre de Mr Gwyn, d’Alessandro Baricco. Ce roman raconte l’histoire du romancier britannique Jasper Gwyn qui décide de ne plus écrire afin de réaliser de portraits à la façon d’un peintre, mais avec des mots. Il loue un atelier où il s’oblige à de longues séances d’observation avec ses modèles avant de réaliser leurs portraits écrits. Re: < Je suis tout le paysage > est une transposition de ma première adaptation du roman de Baricco, en œuvre numérique. Dans cette nouvelle création, j’ai souhaité « traduire » librement les aspects visuel, sonore et performatif de l’œuvre littéraire en mettant à profit les outils de la littérature numérique.

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Collaborative Poetry est un projet de la poétesse canadienne Jessica Tremblay et de la poétesse mexicaine Marjha Paulino. L’exposition présente les résultats de leurs séances d’écriture improvisées sous la forme de poèmes génératifs, de Twine, de kinopio et de Twitter bot. Les thèmes récurrents sont la mémoire, l’écriture et l’amour.

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Comment pouvons-nous créer une expérience chamanique par le biais d’un support numérique ? Comment faire le lien entre l’ancien savoir de nos ancêtres et notre réalité moderne et quotidienne ? Telles sont les principales questions que ce projet cherche à explorer de manière créative. Le mot «Ané» est lié à la notion de Terre Mère dans la langue nahuatl. Considérer la Terre comme une mère pour nous tous, ainsi que reconnaître et exploiter le pouvoir de chaque élément individuel (air, feu, eau et terre) est au cœur des pratiques chamaniques du monde entier. Ané est un voyage créatif qui représente notre façon de vivre des expériences chamaniques dans nos vies en nous connectant à ces forces naturelles, exprimées par des œuvres de divers médias. Ces œuvres sont ensuite assemblées pour offrir aux spectateurs l’expérience d’un «voyage initiatique» lorsqu’ils se promènent dans l’espace virtuel et explorent chaque morceau.

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