Jonathan radbwa faroush Mayers est un artiste et écrivain créole louisianais qui a grandi à Istrouma, ou autrement nommé Bâton-Rouge, en Louisiane. Il travaille spécifiquement à partir de son héritage culturel et linguistique, le kouri-vini (la langue créole en danger de la Louisiane) et le français louisianais. Mayers peint des images et écrit des narratives des bêtes et des monstres mythologiques dans des paysages familiers. Il incorpore ces mêmes paysages physiques dans ses oeuvres, en utilisant aussi la boue et d’autres matériaux naturels prélevés dans son environnement quotidien. Ses oeuvres évoquent des thématiques telles que l’environnementalisme, la créolité et le postcolonialisme. Il imprègne ses oeuvres de Latannyèrizm (Latanièrisme) qui regroupe les arts visuels, la langue, et le territoire.

Mayers est représenté par Arthur Roger Gallery à la Nouvelle-Orléans. Il a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l’Université de l’État de la Louisiane (2007) et sa maîtrise en beaux-arts de l’Université de la Nouvelle-Orléans (2011). Il était artiste-en-résidence au Centre SAGAMIE (Alma, QC), à Est-Nord-Est (Québec), et à A Studio in the Woods (Nouvelle-Orléans). Mayers, Poète lauréat de Bâton-Rouge 2021-2023, est coéditeur de Févi (2022), et on peut trouver son travail dans Nous sommes tous des astronautes : scénarios et prototypes pour des temps extrêmes (2024), Latær Lèv (2023), Contes merveilleux : Louisiane, 2023, Folklore Figures of French and Creole Louisiana (2021), Ancrages No 30. Traces, et Feux Follets. Ses derniers projets comme commissaire d’exposition étaient Kont Kréyol-yé (2025) et Mitoloji Latannyèr | Mythologies louisianaises (2023). Il est actuellement doctorant en études francophones à l’Université de Louisiane de Lafayette.

Avant de se consacrer pleinement à la chorégraphie, Emmanuel Jouthe a débuté sa carrière comme danseur, développant sa sensibilité corporelle et son désir de partager ses expériences avec d’autres passionnés. Depuis 1999, il assure la direction artistique de sa compagnie, dont le répertoire comprend de nombreuses pièces et projets de médiation culturelle. À travers ces créations, il se permet d’explorer l’éventail des territoires scéniques et les différentes manières de mettre en relation de proximité le spectateur et la danse. Il fait aujourd’hui partie des artistes reconnus du paysage chorégraphique québécois. Constamment en ébullition et en quête de nouveaux défis, il n’hésite pas à initier de nouvelles collaborations avec les artistes de la relève qui l’inspirent à ouvrir toujours davantage le champ des possibles.

Réjane Bougé a animé pendant près de quinze ans des émissions culturelles et littéraires à la radio de Radio-Canada. Membre de l’UNEQ, elle est aussi conseillère culturelle en littérature et en cinéma/vidéo au Conseil des arts de Montréal (CAM) de 2006 à 2016. En 1992, elle a publié son premier roman, L’Amour cannibale. Parallèlement à ses activités professionnelles, elle continue de publier régulièrement. Dans tous ses livres, le travail de la mémoire est prédominant.  

Chantal Dumas est une artiste sonore montréalaise qui explore le médium du son depuis une trentaine d’années. Son travail s’incarne sous forme de narration et de paysage sonore, de composition, de parcours d’écoute et d’installation. La pratique du field recording est devenue ce geste naturel qui lui permet de capturer des moments de vie et d’en saisir l’essence et l’émotion et, développant ainsi une documentation de son environnement. Les années ont mis en lumière une récurrence thématique (espace, temps, territoire) soulignant une conscience environnementale qui se conjugue à un intérêt marqué pour l’écoute. La cartographie intervient donc naturellement dans ce contexte comme élément structurant de certaines de ses propositions.

Ces dernières années, elle compte de nombreuses collaborations pour en mentionner quelques unes: le balado Kamikaze du vendredi de la poète Amélie Prévost (Quadrature et Planète rebelle), Voix Rêvées avec l’autrice Réjane Bougé où des personnes aveugles racontent de quoi sont faits leurs rêves, (Turbine), Montréal Ville invisible avec Florian Grond et le Regroupement des aveugles et amblyopes du Montréal métropolitain (RAAM) et l’Autre Montréal. (2021). Puis elle compose Oscillations planétaires une pièce électroacoustique qui évoque le monde géologique, (commande de DeutschlandFunk Kultur, Allemagne) qui fut au Prix Opus 2019-20: Album de l’année, finaliste. Publiée chez Diffusion iMedia.

Florian Grond est Assistant Professor au Department of Design and Computation Arts de l’Université Concordia, où il est également codirecteur du Centre for Sensory Studies. Il est aussi artiste numérique dont la pratique et la recherche s’ancrent dans le son immersif, la sonification, l’auditory display, la conception participative et l’accessibilité. Après un doctorat en Allemagne (Université de Bielefeld) et un postdoctorat en recherche-création à l’Université McGill, il a développé une expertise en captation, mixage et diffusion du son immersif.

Ses projets explorent la création de dispositifs et d’expériences inclusives, en dialogue étroit avec des communautés marginalisées, notamment les personnes aveugles et neurodivergentes. Il a initié et mené plusieurs projets de co-création artistique avec des artistes en situation de handicap, et collaboré avec des chercheurs et chercheuses en ethnographie sensorielle. Avec feu l’écrivain et chercheur belge Piet Devos, il a adapté l’usage du binaural comme méthode innovante pour la recherche ethnographique. Ses travaux sont soutenus par le CALQ, le CAC, le FRQSC et le CRSH, et se déploient à la croisée des arts sonores, de la recherche-création et des études sensorielles, afin de développer des formes inédites d’écoute et de médiation culturelle.

Le collectif Cummings & Pifko est né en 2019 d’une installation qui a révélé la force de leurs univers complémentaires. Depuis plus de 25 ans, Gaëtane Cummings, artiste de la Diversité capacitaire, transforme son vécu en fauteuil roulant en matière de création et de dénonciation. L’Art, espace de liberté, l’amène à explorer performance, documentaire, peinture, installations, vidéo, interventions et poésie. Sigmund Pifko, artiste multidisciplinaire, illustrateur, peintre, graphiste et adepte des arts numériques et de la scénographie, aborde chaque projet comme une recherche-création, guidé par sensibilité et curiosité. Ensemble, ils inscrivent leur démarche dans le mouvement CripArt, qui propose de créer et penser l’Art autrement tout en dénonçant le capacitisme. Leur pratique, nourrie par l’expérience de la marge, cherche à transformer l’exclusion en beauté, à révéler des réalités invisibles et à ouvrir des perspectives inédites.